The Clinic

Valoración: 5/10

James Rabbitts firma el guión y la dirección de la producción australiana “The Clinic”,  un thriller ambientado en los 70.

Su argumento nos narra cómo una pareja de novios (Beth y Cameron) se halla de viaje para visitar a los padres de ella, que se encuentra embarazada. Cae la noche, llega el cansancio, y con él, la consabida parada en un motel de carretera para descansar. Amanece, Cameron está solo en la cama del motel. Amanece, Beth, está sola en un inquietante lugar desconocido y en su vientre, una inmensa cicatriz. Comienza la carrera, él por encontrar a su amada y su hijo nonato, ella, por la supervivencia.

“The Clinic”, pese a cumplir su función de vehículo de entretenimiento, y jugar a su favor las siempre impresionantes localizaciones de los páramos australianos, así como las de la “clínica” que le da título, está demasiado plagada de lugares comunes, tópicos del género y recursos que nos traen a la memoria innumerables producciones anteriores.

Todo ello le confiere un sabor de “ya visto” y de nula aportación al género. Ni siquiera las interpretaciones de sus protagonistas, la sufridora Tabrett Bethell en el papel de Beth o el malogrado actor Andy Whitfield (“Spartacus: Sangre y Arena”) como su desesperado consorte consiguen implicar al espectador, víctimas, quizás, de un guión demasiado pobre, que no trabaja el lado más humano de los personajes y evita la empatía de aquellos que se embarcan en esta aventura desde las butacas.

Es con todo ello esta película un producto, pese a que se aleja de toda innovación o aporte al mundo del celuloide además de no conseguir esa buscada inquietud en el espectador,  que entretiene al espectador  pero que no generará poso alguno en su memoria cinéfila.  Aceptable pero prescindible.  

- Enoch - 

Snowtown

Valoración: 7/10

Desde las antípodas llega la película “Snowtown” del director Justin Kurzel, una dura propuesta cuyo guión firma él mismo junto a Shaun Grant y se basa en una serie de cruentos acontecimientos sucedidos en su ciudad natal, una cadena de asesinatos en serie que pertenece ya a la crónica más negra del país.

El film nos narra el viaje a las tinieblas de un adolescente que, tras sufrir abusos sexuales cae bajo la protección de una paternal figura que, en una supuesta cruzada por la justicia y la venganza lo arrastra a una espiral de violencia, fanatismo y crimen más allá de todo límite.

Desagradable, visceral y malsana es la película, como la historia que cuenta. Unos ambientes decadentes , corruptos y enervantes, unas interpretaciones (Daniel Henshall, Lucas Pittaway, Craig Coyne… etc) desgarradas y muy meritorias dado que gran parte del reparto se compone de actores amateurs seleccionados en el área misma del rodaje y una nula concesión al espectador, atacando a su mismo sistema nervioso y despertando una potente catarsis, una continua sensación de rechazo y repulsión mediante un guión elaborado y una conjunción de elementos que generan un ambiente perfecto, infernal.

No es, sin duda, un producto para todos los públicos. Es un film duro, en lo que cuenta y en el cómo lo cuenta, una película para impactar y perdurar en la memoria y, aunque pueda rozar lo desagradable, no deja por ello de ser un ejercicio de buen cine. Interesante. 

- Enoch - 

YellowBrickRoad

Valoración: 4/10

Jesse Holland y Andy Mitton dirigen y firman el guión  de este film de terror con aspiraciones pseudos-filosóficas…

“YellowBrickRoad”, nos ubica en Friar New Hampshire, una población donde, en 1940,  todos sus habitantes se reunieron para partir caminando por un sendero que se internaba en lo más profundo de los bosques adyacentes al pueblo. No se llevaron nada, ni dinero, ni pertenecia alguna, incluso sus mascotas quedaron abandonadas… y jamás regresaron. Grupos de búsqueda hallaron cientos de cadáveres, unos habían perecido de frío, otros habían sido claramente torturados y asesinados… y otros tantos permanecen desaparecidos. A raíz de este funesto acontecimiento, las leyendas en torno a esta población y sus bosques no tardan en crecer sin mesura… y en 2008 un equipo de investigación decide tomar el “camino de baldosas amarillas” del título, adentrarse en los bosques  y tratar de descubrir qué ocurrió realmente…

La premisa argumental de la película es altamente interesante, y atrapa al espectador durante la primera media hora de metraje, llenándolo de interrogantes, planteándole nuevas y sobrenaturales incógnitas una vez que comienza el viaje y descubrimientos de los protagonistas…  Pero a partir del primer hecho violento comienza a desinflarse y el interés cede al sopor y al soberano aburrimiento. El guión, lleno de trampas y vacíos, gira y gira sobre sí mismo, saltando, de una amena película de terror, a una propuesta metafísica-filosófica que pierde absolutamente al espectador en sus inexpugnables recovecos.

Un film fallido, con una gran propuesta de partida que bien podía haber aprovechado para regalar, pese a sus escasos medios, una buena película de terror psicológico/sobrenatural y que, en lugar de ello, prefiere navegar por una pretenciosa producción pseudofilosófica, una lástima, un aburrimiento. A evitar.

- Enoch -

Vampires

Valoración: 5/10

El director Vincent Lannoo (“Ordinary Man”, “Strass”) dirige y co-escribe (con Frédérique Broos) el guión de esta atípica enésima visita al mundo de los vampiros.

En esta ocasión el formato de la cinta es de falso documental. En ella conoceremos gracias a un equipo televisivo a una familia de vampiros belgas (interpretados por Paul Ahmarani, Julián Doré, Carlo Ferrante, Alexandra Kamp-Groeneveld…), un matrimonio con dos hijos, y su estilo de vida, amigos, actividades, régimen alimentario (sangre de inmigrantes ilegales que guardan en su corral del jardín)…  así como los problemas que la adolescencia vampírica de los jóvenes provoca y el exilio que puede suponer el quebrar las estrictas reglas de su mundo.

En una época histórica en que el mundo de los vampiros en el cine está en un punto álgido y estos se edulcoran, se cargan de glamour y mágicos poderes, aquellos que nos dibuja Vincent Lannoo son mucho más mundanos, decadentes y autoparódicos, un contrapunto altamente interesante a las familias “crepusculares” chupasanges a los que estamos acostumbrados.

El falso documental pretende, a través de sus sobrenaturales protagonistas, realizar una ácida crítica social y pone en evidencia, con las aventuras de los no-muertos lo más bajo de los vivos, el ser humano, lo que le da una trascendencia más allá de la pura carcajada y entretenimiento.  

No obstante el conjunto no llega a convencer del todo, se queda a medio camino de la crítica, a medio camino de la parodia, a medio camino del drama, de la comedia… resulta, una vez visionada, interesante pero mucho menos arriesgada de lo que cabía esperar, y eso le pasa factura frente al tipo de espectador que enfrenta una película de estas características. 

- Enoch - 

Sirena (Siren)

Valoración: 6/10

Desde Gran Bretaña y firmada por el director Andrew Hull (quien a su vez realiza en colaboración con Geoffrey Gunn el guión de la película) llega esta producción de cine de terror, ficción mitológica que busca en el terror psicológico la inquietud del espectador.

El film, protagonizado por Eoin Macken, Anna Skellern, Tereza Srbova, y Anthony Jabre, nos cuenta la historia de tres amigos (Ken, su novia Rachel y su amigo Marco, un experto navegante) que se encuentran realizando una idílica travesía en barco hasta que una señal de socorro originada en una isla supuestamente desierta rompe la paz, y no dudan en desviar su rumbo para atender la misteriosa llamada. Entra en juego entonces una extraña figura en juego, una seductora y hermosa mujer que no sabe quién es, ni cómo ha llegado hasta ese inhóspito lugar… el misterio está servido.

“Siren” se nutre de unos muy vistosos exteriores, unas interpretaciones aceptables, una fotografía cuidada y un guión a ratos intenso, a ratos tramposo. Todos estos elementos hilan una película de atmósfera, cuyo factor “terror” campa en el terreno de lo psicológico más que en lo visual, ataca a los miedos más primarios y mantiene conjeturando al espectador a lo largo de todo su metraje. No es un film de terror al uso, con lo que no es recomendable para todos los paladares, sólo para aquellos que gusten de propuestas que obliguen a su visión con una mínima parte de las neuronas en activo y dispuestos a encajar piezas de un puzzle dudoso.  Interesante. 

- Enoch - 

The Caller

Valoración: 6/10

El director Matthew Parkhill (“El punto sobre la i”) firma esta coproducción del Reino Unido y Puerto Rico, una historia de terror psicológico y sobrenatural cuyo guión viene realizado por Sergio Casci.

“The Caller” tiene como protagonistas,  a dos conocidas estrellas del panorama cinematográfico-vampírico de los últimos tiempos, Rachelle Lefevre, quien diera vida al papel de Victoria en la saga “Crepúsculo” y Stephen Moyer, el vampiro Bill de la exitosa serie “True Blood”.

La película nos narra la historia de Mary Kee, una joven en plenos trámites de un incómodo divorcio (con pelea por el perro de la pareja y órdenes de alejamiento violadas por el medio) que se traslada a un nuevo piso a vivir. En él encontrará un antiguo teléfono que no tardará en sonar para ponerle en contacto con una misteriosa mujer.  

Mary no tardará en conocer al profesor Guido, que le ayudará a desentramar aquello que se oculta tras las siniestras llamadas que parecen originarse en el mismo lugar, pero décadas atrás, y con bien oscuras intenciones…

“The Caller” es una película modesta, pequeña, pero efectiva. El desasosegante ambiente que genera con su fotografía, ambientación musical e interpretaciones de los secundarios introduce al espectador en la historia, en el claustrofóbico espacio donde mayormente transcurre la acción. El rocambolesco guión, el papel de sus protagonistas (una notable Rachelle L. y un correcto mas plano Stephen M.) y el ritmo de la trama hacen el resto y mantienen al espectador en continua atención y entretenimiento intentando esclarecer los enigmas.

Interesante para pasar el rato sin grandes pretensiones

- Enoch - 

Poesía (Poetry)

Valoración: 8/10

A estas alturas a ningún cinéfilo que se precie le tiembla el pulso a la hora de calificar al cine de Corea del Sur como uno de los más líricos -si no el que más- del panorama internacional. Directores como Kim Ki-duk, Bong Joon-ho o Park Chan-wook han demostrado ser verdaderos poetas de la imagen, capaces de convertir en belleza lo terrible a través de su cámara. Poetry, la nueva propuesta del prometedor Chang-dong Lee es bastante menos extrema que las de sus citados compatriotas, pero no por ello se aleja de su ilustre estela.

El film nos presenta a Mija, una sexagenaria dedicada en cuerpo y alma al cuidado de su insoportable nieto. Cuando este es acusado de una violación que ha llevado a una joven al suicidio la anciana comenzará a ver la vida con otros ojos. Si de unos elementos similares -el familiar malvado, la vejez, el olvido- Bong Joon-ho se sacaba de la manga un magnífico thriller con Mother, para Chang-dong Lee el drama llega a través de una exposición pausada, desprovista de sentimentalismo pero increíblemente conmovedora gracias a un verdadero recital de sutileza y buen cine.

La película nos habla de una dignidad que planta cara sin victoria posible no solo a las atrocidades del nieto, sino también a una sociedad corrupta y cínica, esa mafia de padres y profesores incapaz de mostrar un atisbo de sentimiento, un aferrarse a la vida y a la memoria -aunque sea incómoda- frente a la deshumanización del mundo. No es la única lectura del film, pues Poetry aborda en sus diálogos (los foráneos nos perdemos todas las sutilezas de los recitales) algunas de las cuestiones que más han preocupado a la dialéctica poética moderna y muy especialmente a la poesía hispanoamericana, temas como la originalidad del creacionismo o la discusión en torno al poema entendido como espejo y exorcismo de nuestros miedos y esperanzas.

Poetry crece gracias al intachable trabajo de la veterana actriz Jeong-hee Yoon, que con más de trescientas películas a sus espaldas firma aquí una grandiosa interpretación protagonista después de dieciséis años alejada de las cámaras. Ni que decir tiene que la fotografía del film nos depara grandes momentos. Aunque los actores se llevan gran parte del protagonismo, la cámara también nos regala algunas escenas de belleza contemplativa como el largo plano del río que abre el film, contrapuesto a ese precioso final, el poema que recita primero la anciana y enlaza con la niña, la personificación del dolor ajeno en una mirada inquisitiva a cámara como la de Antoine Doinel en Los 400 golpes de Truffaut.

Siguiendo la estela de otros realizadores asiáticos como Hirokazu Koreeda, la película de Chang-dong Lee es ante todo un trabajo presidido por una sensibilidad narrativa excepcional tanto a la hora de filmar como de escribir una historia. Lástima que el premio que obtuvo el guión en Cannes no viniera acompañado de otro a la mejor actriz, algo que el director ya consiguió hace unos años con Secret Sunshine. En definitiva, un soberbio film al que solo se le puede achacar una duración algo excesiva, incluso para los estándares del cine asiático. Poetry es, en efecto, una verdadera reivindicación del cine como vehículo de creación poética.

- Keichi - 

Abel

Valoración: 8/10

Con permiso de Argentina, quizás sea Méjico el país que más está revolucionando el panorama cinematográfico latinoamericano con su incipiente industria. Diego Luna es uno de sus actores más destacados e internacionales. Mucho ha evolucionado el protagonista de "El Búfalo de la noche" desde sus inicios en el mundo de la telenovela hasta convertirse en un productor y creativo que lo mismo se lanza al documental que dirige un serie de animación. Ahora se alía en la producción con John Malkovich y su compañero Gael García Bernal, con el que formó un dúo inolvidable en Y tu mamá también, para dirigir su primer largometraje de ficción.

El guión de la película, escrito por Augusto Mendoza y el propio Diego Luna, nos presenta a Abel, un niño de nueve años internado en un centro de salud mental aparentemente aquejado de algún tipo de autismo. Su madre decide reunirlo durante unos días con sus hermanos en casa, un hogar precario y sin la presencia de una figura paterna. Sin previo aviso, Abel decide suplir esa ausencia asumiendo él mismo el papel de cabeza da familia, con tronchantes resultados para todos hasta que su verdadero progenitor regresa del extranjero. El conflicto está servido.

La historia de Abel es bien sencilla, un minimalismo que ya hemos podido ver en otras producciones mejicanas como Lake Tahoe. Al igual que sucedía en aquel trabajo de Fernando Eimbcke, los protagonistas abordan a través del realismo mágico el tema de la comunicación familiar, al identidad y la pérdida desde el punto de vista del niño, al que la cámara se adapta en todo momento. Cuando Abel asume el papel de padre y su familia le sigue el juego, la interpretación va mucho más allá de jugar a ser adulto. Es toda una reconstrucción de las relaciones que parte de cero. De hecho, dice mucho que el niño sea mucho más creíble en su rol que ese otro padre inmaduro e irresponsable.

Diego Luna ha hecho una estupenda labor de dirección de actores, empezando por los hermanos en la ficción y la realidad Christopher y Gerardo Ruiz-Esparza, siguiendo con una habitual de los seriales infantiles televisivos como Geraldine Galván y terminando con los veteranos Carlos Aragon y  la maravillosa pareja formada por Karina Gidi y José María Yazpik, aunque evidentemente el pequeño protagonista se llevan la palma por la apabullante e inquietante credibilidad de su interpretación. A destacar también la fotografía detallista y desenfocada de Patrick Murguía, uno de los talentos emergentes del cine mexicano.

Aunque el desenlace del film trata de generar una tensión que borre la sonrisa del espectador, la película no podía ser tan cruel con sus protagonistas y se permite incluso un epílogo para demostrar que con el tiempo todo se arregla. Así, este segundo trabajo de Diego Luna es al fin y al cabo una historia pequeña, modesta y entrañable que no oculta su condición de drama pero lo maquilla con un humor teñido de surrealismo que algunos críticos de Cannes han identificado con los trabajos de Michel Gondry y Wes Anderson. A Diego Luna le queda mucho terreno por explorar -y mejorar- pero lo que vamos descubriendo de su mano convence.

- Keichi -

Marieke, Marieke

Valoración: 4/10

Para la cinematografía belga -más concretamente, la que procede de Valonia-Bruselas- hay un antes y un después de Rosetta, la Palma de Oro obtenida por los hermanos Dardenne en Cannes. Hace diez años aquel hito descubrió a Europa un cine de ficción propio más allá de la sombra protectora de Francia o los caminos fijados por su influyente escuela de documentalistas. Eso explica que poco a poco comiencen a llegarnos producciones de sus nuevos talentos, como es el caso de este primer largometraje de la directora Sophie Schoukens.

A sus veinte años, Marieke siente un completo desinterés por los chicos de su edad. Mientras ella mantiene encuentros sexuales con hombres de edad avanzada su madre vive en un estado de aislamiento emocional desde la muerte de su marido. La llegada de un viejo amigo de la familia desenterrará el oscuro pasado de los protagonistas. Así, la película es una historia de pérdida, la búsqueda del padre en los cuerpos de otros ante una imperante necesidad de amor, personajes que viven en un limbo existencialista con afán de metáfora.

El film se empeña en reivindicar constantemente su denominación de origen, la Bruselas gris de las cafeterías y el chocolate a la que pone voz la canción de Jacques Brel. Esa atmosfera efímera de tristeza y nostalgia la captura con mucho estilo la fotografía de Alain Marcoen, luminosamente fría, como la hermosura juvenil de la protagonista, esos primeros planos de pieles pálidas en la bañera. El protagonismo absoluto del film recae así en Hande Kodja (Meurtrières), una joven y prometedora interprete de belleza glacial bien explotada por el film. También convencen los trabajos de Barbara Sarafian y el veterano Jan Decleir, verdadero icono del cine flamenco.

No es de extrañar que el caldo de cultivo dramático que el guión ha ido preparando termine en nada. Se trata de un drama de ambiente, sin respuestas ni evolución alguna, sobrepuesto a sus personajes en la afectación de sus maneras. Como muchos dramas intimistas, el film de Sophie Schoukens tiende al exceso, tratando de extraer elementos poéticos de situaciones completamente banales o haciendo del llanto una catarsis de violencia. Resulta risible y hasta aceptable que la botella de whisky haya permanecido doce años en la maleta del escritor, detenida en el tiempo a la espera de que los secretos salgan a la luz, pero el momento de histeria en la bombonería ya es demasiado bochornoso.

A juzgar por algunos precedentes como Les fourmis rouges, de Stephan Carpiaux, gran parte del nuevo cine de autor belga parece tener una especial querencia por un tipo de historias que entroncan directamente con el film francés de las ultimas décadas, hoy ajenas al contexto histórico en que rodaban los maestros de la Nouvelle Vague. En efecto, aunque apunte maneras Marieke Marieke resulta tan poco creíble y forzada en los tiempos que corren que el desinterés es inevitable. Esta opera prima sin un fondo concreto se queda a medio camino de todo, abandonada en la mediocridad de su drama.

- Keichi - 

Chicogrande

Valoración: 4/10

Antes de sus afamados dramas sociales (Canoa, El Apando, Las Poquianchis), el veterano realizador mejicano Felipe Cazals se estrenó en el mundo del largometraje con una película sobre Emiliano Zapata. Cuarenta años después, Cazals vuelve la vista a otro de los ideólogos de la Revolución Mexicana. Corre el año 1916. Francisco Villa se recupera de sus heridas en las montañas, oculto del ejército norteamericano y las tropas de Carranza. Chicogrande, uno de sus hombres más leales, debe partir en busca de ayuda. En el otro bando, el mayor Butch Fenton no escatima en sangre para localizarlo. Pero lejos de reivindicar el mito de un Pancho Villa que casi brilla por su ausencia, las intenciones del film son otras bien distintas.

Chicogrande discurre entre el mundo del western crepuscular y la sobria recreación histórica. Hay un cierto poso de épica en la película, sus diálogos o esa querencia por los paisajes silenciosos que captura la fotografía de Damian Garcia. Pero al igual que esos parajes, el film es tremendamente árido. E indeciso. La descontextualización del western, geográfica y temporalmente pero sobre todo en su concepción aventurera, viene siendo una constante del género. Mucho ha dado que hablar la condición residual que de cine del Oeste tienen o no este tipo de películas. Aquí no se entiende que Cazals no se decida en su desarrollo plano y lento por uno u otro extremo.

Pero la queja más contundente que puede plateársele a Chicogrande es lo desfasadísimo de su lectura política. Una guerra entronca perfectamente con los ecos estéticos al western que el film pretende evocar. Hay unos buenos y unos malos tremendamente maniqueos entre los que incluso la presencia redentora del médico norteamericano chirría, pero la venganza en tierra extranjera termina remitiendo al 11-S, Irak o Afganistán, del revisionismo al más puro panfleto antiyanqui. El mejor ejemplo de esto es el personaje de Fenton con la cabeza a medio rapar y las prostitutas enanas En su afán por ridiculizar al enemigo, la película cae en el más absoluto de los bochornos.

No obstante, el film tiene una de sus mejores bazas en el reparto. La interpretación de pocas palabras de Damián Alcazar como Chicogrande contrasta con la de su antagonista americano. Daniel Martínez se ve abocado a convertirse en una caricatura insalvable y ridícula, pero durante gran parte del metraje consigue dar vida a un personaje aterrador, cambiando de nacionalidad e idioma. Dos excelentes trabajos a los que se suman los de algunos secundarios de lujo como el sobrio y también bilingüe Juan Manuel Bernal, Jorge Zárate o Patricia Reyes Spíndola.

Por momentos Chicogrande parece ofrecer una visión desacralizada y aséptica del villismo, una brutal contienda de odios en un contexto de miseria y muerte más que la romántica algarabía popular que siempre se ha revindicado. También se acerca al extremo opuesto, pero en vez de hablarnos de ideales y cantar a la historia de su patria o al pasado de sus héroes anónimos, Cazals ha querido mantener un ojo puesto en el presente. Muy probablemente esta película tenga una dimensión diferente para el pueblo mejicano, pero al resto del mundo no se le escapa que Pancho Villa nunca estuvo en Guantánamo.

- Keichi - 

El Gran Vázquez

Valoración 8/10

Seguramente el nombre de Manuel Vázquez no significará nada para los no iniciados en el mundillo del tebeo nacional, sobre todo si además son jóvenes. Pero si decimos que este señor fue el padre de historietas tan recordadas como las de las hermanas Gilda, la familia Cebolleta o Anacleto, agente secreto, la cosa cambia. Lo cierto es que la vida privada del dibujante superó con creces a la de sus personajes. Es precisamente esto lo que se ha propuesto contarnos el director Óscar Aibar (La máquina de bailar) en este atípico biopic ambientado en la Barcelona de los años sesenta.

Aunque exagerado para la ocasión, el Vázquez que nos presenta la película no se distancia demasiado del real, un hombre que vivía al día, eterno moroso, mujeriego, crápula y orgulloso de sus timos. Pero esta biografía del engaño no renuncia al retrato nostálgico de una generación de dibujantes, la de Bruguera, una industria e incluso una forma de entender el comic hoy desaparecidas. Por eso se le perdona que no profundice por ejemplo en la obra erótica de Vázquez, esa que en última instancia le llevó a vengarse de quienes le habían robado a sus personajes haciéndolos protagonizar una orgía de sexo en las páginas de un fanzine.

Aibar opta por sumergir el contexto histórico en una estética de tebeo muy parecida a la que utilizara Javier Fesser en La gran aventura de Mortadelo y Filemón. El estupendo trabajo de localización, la música de fanfarria de Nacho Mastretta y la fotografía de Mario Montero dan como resultado una atmosfera luminosa, surrealista, casi teatral, perfecta para ambientar esa España de los Celtas, los burdeles y la picaresca pero también del yugo y las flechas, la represión o los burócratas. Como un medio de escape a esa realizad, algunas vivencias del protagonista al más puro slpackstick parecen directamente extraídas de las viñetas, cuando no se transmutan directamente en ellas.

Aunque el papel de Vázquez parezca creado ex profeso para Santiago Segura, este se esfuerza por escapar a la sombra de Torrente. Lo consigue gracias a una interpretación mesuradamente contenida, tanto que muchos no sabrán apreciarla en su justa medida. También convence su compañera de reparto Mercé Llorens pero los que brillan con luz propia son los secundarios, la fantástica pareja formada por Álex Angulo y Enrique Villén o la emotiva aparición de Manolo Solo transmutado en Ibáñez. Incluso la intervención Jesús Guzmán viene a defender la vocación de referencia, a una casta de actores y una comedia nacional sustituida hoy por caspa de la mala.

El gran Vázquez funciona mucho mejor en su retrato de la primigenia industria del cómic español que como radiografía de su protagonista, una caricatura más que un retrato. Es una elección válida por lo sentimental del asunto, pero uno se queda con la sensación de que en manos de un director más dotado la vida de Vázquez hubiese podido dar mucho más de si, más allá de la tragocimedia. Ello no desmerece el mérito de esta producción francamente diferente que probablemente pasará desapercibida para muchos espectadores. Sería una lástima porque aunque el resultado sea un tanto irregular es una dignísima película.

- Keichi - 

Aileen: Life & Death of a Serial Killer

Valoración: 8/10

Aunque su historial queda muy lejos de las atrocidades cometidas por Dahmer, Gacy o Ted Bundy, Aileen Carol Wuornos ha pasado a los archivos como la primera asesina en serie de la historia de Estados Unidos. El afamado documentalista Nick Broomfield diseccionó en 1992 su procesamiento y posterior condena con The Selling of a Serial Killer. Aquel trabajo denunciaba ferozmente el oportunismo de gran parte del entorno de Wuornos, incluido su propio abogado, que aprovechó para lucrarse a su costa. Diez años después Broomfield y su colaboradora Joan Churchill volvieron a enfocar a una Aileen en los prolegómenos de su ejecución.

Como esa carretera perdida oscurecida por una música inquietante que abre el film, la premisa morbosa del documental es una mera fachada. En efecto, Life & Death of a Serial Killer es el retrato de una vida llena de abusos y desamparo, una mirada incómoda a la marginalidad de la que tantas veces surge el horror y el crimen. El caso de Aileen no fue una excepción. Pero más allá del retrato que componen las imágenes de archivo y cosecha propia o las entrevistas a familiares y amigos de la infancia, Broomfield no renuncia en absoluto a su habitual denuncia. Su documental es, ante todo, un alegato no solo contra la pena de muerte, sino contra un sistema punitivo completamente desquiciado e incluso surrealista.

La cámara intrusa de Broomfield nos ofrece unas impagables filmaciones en el seno mismo de las instituciones judiciales y penitenciarias detrás de las cuales se intuye no solo osadía, sino una verdadera relación de amistad entre el director y su entrevistada. La personalidad de Aileen es toda una incógnita, una asesina divertida y ocurrente que lo mismo se opone a sus propios testigos que pierde los papeles y se transmuta en una demente paranoica de mirada asesina o confiesa sus temores frente a la cámara, reflexiones en ocasiones muy lúcidas para alguien que parece caminar en el filo de la locura. Después de contemplarla uno entiende que la interpretación que le valió el Oscar a Charlize Theron por Monster iba mucho más allá de la mera caracterización.

Las preguntas sin respuestas de este excelente trabajo son una imposición reflexiva que va más allá de la culpabilidad o la inocencia, como esa terrible confesión de la asesina reconociendo que obró en defensa propia pero que no puede aguantar más su estancia en el corredor de la muerte, tan lejos de la anécdota sensacionalista de los medios de comunicación. No deja de ser ejemplar como Broomfield, en esa última declaración a ese circo de cámaras y micrófonos, se incluye dentro de esa misma hipocresía, interesada de uno u otro modo en crear sus propias leyendas negras. Ese dedo acusador deja claro que, aunque un asesino siempre sea un asesino, a veces nosotros también somos responsables.

-Keichi-

Siege of the Dead (Rammbock)

Valoración: 6/10

Marvin Kren dirige este mediometraje de terror que se ubica en el tan popular subgénero como es el de zombis hoy en día.

Desde Alemania y con un guión de Benjamin Hessler  y con un elenco formado por  Sebastian Achilles, Carsten Behrendt, Melanie Berke, Sabrina Caramanna, Emily Cox, Michael Fuith, Harald Geil, Anka Graczyk, Anna Graczyk, Jörn Hentschel, y Arno Kölker  nos llega esta propuesta cinematográfica que nos narra la historia de Michael, un hombre que llega a Berlín con la intención de visitar a su ennovia, Gabi y recuperarla. Pero sus planes no serán tan sencillos como esperaban, y no sólo por ella, sino porque además de ese encuentro, se topará con una explosión vírica que está transformando a la población, a un ritmo trepidante, en asesinos descontrolados sedientos de sangre… y carne.

Como se puede comprobar, el argumento no reporta grandes novedades al panorama de cine de zombis, pero no por ello estamos ante un film prescindible. Pese a su breve metraje, nos presenta una historia cotidiana, de personajes cotidianos, pero bien dibujados e interpretados, dotando de una verosimilitud interesante a la cinta. Igualmente su ritmo sin tregua  y las situaciones que presenta, captan la atención del espectador y logra su objetivo de entretener al espectador del primer al último minuto.

Si no una joya del género, sí podemos decir de “Siege of the Dead” que es un producto con una calidad más que aceptable y que satisface las expectativas del devorador de cine de terror. Interesante.

- Enoch - 

Los Puentes de Madison

Valoración 9/10 

¿Qué sucedería si un día descubrieses que los pilares de tu vida se sostenían sobre falsos cimientos? Esto es lo que creen las hijas de Francesca cuando, tras su muerte, descubren su diario secreto.

Corre el año 1965. Francesca es un ama de casa italiana que emigró a Estados Unidos tras casarse con un soldado americano.Hoy es madre de familia, amante esposa y dedicada madre en una granja en Iowa. Mientras su esposo e hijos viajan a una feria en otro estado, ella conoce a un hombre, un fotógrafo del National Geographic, y acaban enamorándose. Durante cuatro días viven un amor intenso y al final de ellos se separan ¿Fin de la historia? No lo creo. Creo que ahí empieza otra que no llega a contarse porque es demasiado cotidiana, demasiado sencilla, como lo es el verdadero amor.

Francesca no buscaba una aventura, nunca había imaginado que un día se entregaría a otro hombre y menos aún a un desconocido. Simplemente miraba por la ventana y veía su pasado, veía su presente y presentía su futuro. Hubiese podido arrancar las hojas del calendario y lo único que habría cambiado sería el clima al otro lado del cristal. No estaba triste, no lo creo. Resignada, más bien. Pero... nunca habéis mirado a través de la ventana y pensado ¿Es que no hay nada más? Es duro madurar, duro el día a día, duro descubrir que te has llenado de obligaciones y responsabilidades que atan cada hora de tu día y te niegan la individualidad, el ser sólo una mujer, tú misma, ni madre, ni hija, ni esposa, ni amiga, ni nada que no seas tú. Es duro descubrir que tus sueños eran sólo eso, sueños, que jamás se harán realidad. Y más triste aún el no poder compartirlos. Francesca vive esperando... nada, dice ella, pero no es verdad.

Siempre esperamos esa chispa que nos arranque de la cotidianidad, que nos de la aventura, la emoción con la que soñamos a través de películas, libros, canciones... cada uno la busca donde puede, pero pocas veces la encontramos. Ella lo hizo.

Se llamaba Robert Kincaid. Era un hombre maduro, un espíritu libre, un desarraigado que se movía de un lado a otro sin lazos ni ataduras. Puede que fuese eso lo que Francesca amó en él. "Los viejos sueños eran buenos sueños. No se realizaron pero me alegro de haberlos tenido" Puede que Robert fuese uno de esos sueños que llegó a destiempo. Él supo ver la belleza de esa mujer cuyo piel comenzaba a marchitarse y supo que el amor aparecía de repente, en un pueblo cualquiera, un día cualquiera, sin anunciarse y sin grandes manifestaciones... un paseo, unas fotos, unas horas de conversación, el calor, una cena casera, una copa de vino y una mujer que no sabe seducir y no sabe que seduce tal y como es.

El amor con letras mayúsculas, esa gran pasión que Francesca no pensaba ya que existiese, llegó tarde. Al menos para ella. Disfrutaron de su amor cuatro días,"-No se si voy a poder hacerlo/ -¿El qué? -Intentar concentrar toda mi vida entre hoy y el viernes" sólo unas horas para tenerse, con fecha de caducidad. Y lo más doloroso? En ningún momento dejó de querer a su esposo. No con pasión, no con esa fiereza y esa desesperación que te hace desear fundirte con tu amado para que no pueda dejarte cuando se vaya, pero le amaba, a pesar de todo. Supongo que hay muchas formas de amar y muchos tipos de amor. Cuando Kincaid le pide que se vaya con él, duda, sueña, sufre... y renuncia.

Esto es lo que sus hijas descubren, indignadas, cuando ya su madre no puede explicarles la verdad: Su madre tuvo un amante. Pero ellas leen, ellas recuerdan el amor de su madre a lo largo de sus vidas, los pequeños gestos, el cariño desmedido y gratuito que toda madre regala porque le sobra a manos llenas... y comprenden. Francesca renunció a su amor por amor. Sus hijos, el hombre bueno que le dio un hogar y una familia, acabaron pesando más en la balanza. Su amor fue tan desinteresado e incondicional que no pensó en sí misma. Durante años, durante muchos años, esos cuatro días calentaron su corazón en las largas noches al lado de un hombre que no era el que ella deseaba. Y le amó y le cuidó a pesar de todo. Hubiese podido irse, abandonar a su esposo y a sus hijos, pero siempre habría mirado hacia atrás, ella era así. No creo que fuese infeliz. Tuvo una buena vida y conoció el amor. Cuando ya no lo creía posible, vivió una gran pasión que, como una estrella fugaz, brilló intensa y brevemente y trajo el deseo en su estela. Opino que eso ya es mucho. 

 - Draselth - 

Husk

Valoración: 5/10

Brett Simmons firma el guión y la dirección del film de terror “Husk”, una nueva y no muy innovadora aportación al ya subgénero fundamentado en “una cuadrilla perdida en mitad de ninguna parte masacrada miembro a miembro”.

En esta ocasión, cinco amigos se hallan de viaje de fin de semana y el ataque de unas aves contra su vehículo los sacará de la carretera junto a un frondoso campo de maíz.

En su búsqueda de ayuda pronto se verán perdidos entre el laberíntico follaje de los interminables campos, descubrirán una misteriosa casa en el centro del maizal… y lo más importante, que no están solos. Unos tétricos espantapájaros cobran vida y están más que dispuestos a robársela a cada uno de los protagonistas para engrosar sus filas.

El reparto de jóvenes actores se compone de Devon Graye, Wes Chatham, C.J. Thomason, Tammin Sursok, y Ben Easter, quienes, pese a no regalar ninguna interpretación memorable ni que vaya a lanzar sus carreras, cumplen su función con un mínimo de credibilidad. El guión, aunque rocambolesco, mantiene el interés del espectador y la factura técnica general, aunque sencilla, es aceptable.

En conclusión, es “Husk” un producto de terror de segunda fila, un slasher con aderezo sobrenatural para pasar el rato que si bien no nos regala una porción de buen cine, sí de entretenimiento y evasión. Pasable.

-Enoch-

Brokeback Mountain, en Terreno Vedado

- NO HAY AMORES EQUIVOCADOS -

Valoración: 10/10

 

No hay amores equivocados, estoy convencida. Amar nunca es un error, aunque no siempre conduzca a la felicidad, aunque no siempre termine en un "Y comieron perdices", o quizás porque pocas veces acaba así. En esta película, una de mis favoritas, tierna, dura, sensible, profunda, cálida y desesperanzada, los protagonistas, los amantes, pertenecen al mismo género: Al género humano. Tendría que haber bastado pero, por desgracia, este dichoso género humano está tan lleno de prejuicios que pocos se atreven a saltarlos, a ignorarlos, a desafiarlos y rebatirlos.

Ennis Del Mar (Heath Ledger) y Jack Twist (Jake Gyllenhaal) se conocen mientras hacen cola para pedir trabajo a Joe Aguirre (Randy Quaid), el ranchero del pueblo. Durante el verano que pasan aislados en Brokeback Mountain cuidando ovejas, la amistad de los jóvenes vaqueros se convierte en algo más. Pero el fin del verano marca el fin de la relación. Han de regresar a la vida y el miedo estalla violento entre los dos. Ennis se queda en Wyoming y se casa con Alma, su novia de siempre, con la que tendrá dos hijas mientras se gana la vida a duras penas. Jack ha vuelto a Tejas y enamora a Lureen Newsome, la reina del rodeo. Se casan, tienen un hijo y Jack trabaja en los negocios del padre de su mujer. Transcurren cuatro años, Ennis recibe una postal de Jack. Nada más encontrarse, en un sólo segundo, comprenden que su amor ha sobrevivido a la distancia y al tiempo. Ese beso escondido es apasionado, doloroso y dramático, emocionante y agridulce. Desde ese momento, se encontrarán en supuestas excursiones de pesca varias veces al año, pero esos equipos no se estrenarán. El miedo, recuerdos de un homosexual asesinado en el pueblo cuando Ennis era un niño, la vergüenza o, simplemente, la cobardía, les aleja y separa. No cuento más. Los que la hayan visto, conocen el final, y sabrán por qué dos camisas, una dentro de la otra, me parecen una de las metáforas más tristes del cine... Vestir a tu amante como una prenda, como una camisa pegada al cuerpo, algo que puedes llevar contigo e impregnarlo con tu aroma. Es un abrazo eterno, es meter a tu amante dentro de tu propia piel, de donde nadie, ni el miedo, ni la vergüenza, puedan sacarlo... ahora que ya es demasiado tarde.

Qué triste, qué duro llegar al final y darte cuenta de que sólo tienes una vida, sólo una, y que no la has vivido con la persona que más amaste, con tu verdadero amor. Que no puedes regresar en el tiempo y decir: Sí, lo haré, te amaré abiertamente porque el amor nunca es incorrecto, nunca es motivo de sonrojo ni de humillación, porque nadie puede decirle a mi corazón quién es digno de ocuparlo. Y qué triste acariciar durante años una piel que no te estremece, que no te hace llorar de placer y emoción. Abrir los ojos cada mañana y ver a tu lado a la persona incorrecta. Porque no hay amores incorrectos pero sí personas incorrectas a nuestro lado. Nadie es culpable por amar, decía la canción, y en el pecho no late la razón, qué gran verdad! Hay personas que nunca llegan a encontrar ese gran y único amor, pero es terrible, un crimen imperdonable, encontrarlo y dejarlo marchar.

- Draselth - 

El Arrecife (The Reef)

Valoración: 7/10

Desde las antípodas llega este film de terror firmado por el director Andrew Traucki con el  que se consolida ya dentro de este subgénero de horror con animales. Nos llevó a los pantanos australianos con su anterior film “Black Water”, centrado en un grupo sitiado por cocodrilos y ahora nos arrastra a aguas más profundas y a escalofríos y tensión más inquietantes en compañía de tiburones.

El argumento, que parte de acontecimientos reales,  es sencillo. Un grupo de amigos que parte en barco a visitar, en Australia, uno de los arrecifes más hermosos del mundo, una tragedia que no se hace esperar. Como todo lo bello, los corales tienen doble filo y la embarcación termina naufragando. Dudas, discusiones entre el grupo superviviente, y una arriesgada decisión, nadar hasta la incierta costa más cercana…  El trayecto no puede ser más duro, ni más solitario… hasta que una presencia bajo las cristalinas aguas, un gran tiburón blanco decide acompañarles.

Este proyecto poco o nada tiene que ver con otros tantos “basados en hechos reales” de pobre factura, efectismos baratos y nulo interés. En “The Ref.” encontramos un guión verosímil, unas filmaciones acuáticas de gran calidad, unas interpretaciones más que aceptables… una conjunción de ingredientes equilibrada que consigue una atmósfera de autenticidad que traspasa la pantalla, un halo de inquietud que hace que el espectador sufra con los náufragos hasta el último instante.

Mucho se ha comparado este film con la no muy lejana en el tiempo “Open Water”, ambas parten de premisas similares, hechos acontecidos en la realidad, bajo presupuesto… pero, para mi gusto, pese a que el trabajo que nos presenta Andrew Traucki es más cinematográfico y menos documentalista (aspecto al que se le presupone dotar al film de más autenticidad e implicación por parte de la audiencia, y era una baza con la que jugó “Open Water” para su producción y campaña publicitaria) su atención al detalle, a la atmósfera, coherencia y verosimilitud de cada aspecto mostrado, técnico o interpretativo, la sitúa muy por encima de su antecesora en credibilidad, ritmo y generación de catarsis en aquellos que se atrevan a sumergirse con él en estas aguas mortales.

Sorprendentemente recomendable, una prueba de que el subgénero del terror con animales, y especialmente con tiburones, no ha muerto, aún resta terror bajo las insondables aguas.

Enoch.

Wolf Creek

Valoración: 7/10


Este film australiano, dirigido por un prometedor Greg McLean, basa su historia en unos hechos reales y oscuros acontecidos en su país.

Tras un punto de partida más que arquetípico, consistente en las aventuras de un trio de jovenes excursionistas (dos inglesas y un australiano), sus relaciones, sus juergas y sus charlas insulsas...nos sumerge en un remolino de crueldad y violencia que hacía tiempo no se mostraba en un film de estas características.
El trío protagonista viaja al centro del desierto, a visitar un enorme crater donde colisionó un meteorito, lugar que da título a la película, a partir de ahí comenzará su mayor pesadilla. Torturas físicas, psicológicas, amputaciones, violaciones... todo a cargo de un asesino real muy bien interpretado.

El film, de reducido presupuesto pero convincente resultado, está invadido por una fotografía de gran calidad que nos hace olvidar su modesto trasfondo.

Pese a tener situaciones límite en la que los personajes actuan de maneras más que surreales, resulta inevitable ser arrastrado por la tensión que provocan, la repulsión... por todo ello esta película viene avalada por numerosas críticas positivas de grandes del género, como Robert Rodriguez o Quentin Tarantino.
Es comparable por su puesta en escena a "La matanza de Texas", y por su explicitud nos muestra lo que todos esperábamos de "Hostel" y no tuvimos.
Recomendable para pasar un mal rato con cine modesto pero bien hecho.
Enoch

Wishing Stairs (Whispering Corridors 3)

Valoración: 3/10

    Desde Corea Del Sur llega esta película editada diréctamente en DVD.

    En ella se nos narra la historia de dos amigas, bailarinas de ballet, que compiten por un puesto en una academia rusa. Por otro lado, otra de las protagonistas es la escalera (llamada "del zorro"), ubicada junto a los dormitorios de la escuela donde estudian. Una escalera de 28 escalones, pero que en ocasiones tiene 29, y si eso ocurre, la persona que la ha subido en ese momento puede pedir un deseo y le será concedido.

    El film nos habla de la relación entre ellas y con otras compañeras, habla de la competitividad, del rechazo, del amor... y a la vez, de las consecuencias de lo que deseamos, de cómo se puede volver contra nosotros con macabras consecuencias.

   A medio camino entre el drama y el típico cine de terror oriental no convence ni en uno ni en otro campo, es más, aburre soberanamente.

    El drama no transmite emoción alguna, y el espectador está ya tan distante del argumento que cuando comienza el terror los bostezos pueden más que este.

    El argumento se retuerce en exceso y la sorpresa es nula. Prescindible, muy prescindible.

Enoch

Unrest (Los que no descansan)

Valoración: 3/10

    Presentada en Sitges 2007 este film tiene un planteamiento base medianamente interesante...

    Estudiantes de medicina que diseccionan cadáveres de dudoso origen y a los que tienen acceso 24h, extraños sucesos, presentimientos y fenómenos paranormales varios en el hospital, muertes inexplicables y una maldición que acaba con todo aquel que no respeta el descanso de los muertos.

    Pero todo interés decae rápidamente ante tanta situación absurda e incoherente. Les amenazan con ser expulsados si no respetan los cadáveres y sin embargo pueden acceder a la sala de disección cuando les place sin supervisión alguna, para meter el brazo en un tanque de formol tienen que quitarse la ropa, todo lo descubren "porque sí" y tras "inmensas e increíbles casualidades", los enigmas (que nunca llegan a intrigar) tienen resoluciones estúpidas y los personajes mal dibujados no consiguen que el espectador empatice con ellos... en conjunto, que al cabo del rato te acaba dando igual que pase con ellos o qué suceda en esta historia sin pies ni cabeza.

    Uno de los mayores "ganchos" que pretende tener el film es que en toda su publicidad alardea de la utilización de cadáveres reales para la filmación de las escenas.... y qué.

    Conseguí sacarle el chiste a varias situaciones... pero con el paso de los minutos pudo más en mí el aburrimiento que las buenas intenciones. Mejor abstenerse.

Enoch